Aprende compartiendo: Estación del Norte

Hola de nuevo amigos!

lo primero disculparme por el largo silencio. El verano, la vuelta al trabajo y las obligaciones familiares me han consumido la mayor parte del tiempo.

Lo cierto es que he escrito algunas cosas que aún no he llegado a publicar, se trata de fotografías actualmente inmersas en la concursística y quizás es pronto para que vean la luz... igual te has fijado que mi currículum ha ido engordando, probablemente mucho más de lo que hubiera imaginado, alguna misteriosa varita mágica digo yo, pero bueno... al trabajo!

La de hoy es un foto-montaje integrado en un proyecto mayor como conmemoración de San Sebastián Capital Cultural Europea 2016 y coincidiendo con el 200 aniversario de la reconstrucción de nuestra ciudad. En la SFG hemos pensado una miscelánea de lo antiguo y lo moderno, del antes y el después, las colecciones van creciendo y pronto habrá exposiciones en la ciudad o quizás itinerantes. De momento el Calendario Oficial de San Sebastián editado por el Ayuntamiento para este 2013 lleva nuestras fotos y Septiembre es mi pequeña contribución:

San Sebastián, Estación del Norte
Septiembre - Calendario 2013

El original:

Se trata de la Estación del Norte de San Sebastián. Lo cierto es que la foto no tiene demasiada complicación, mas allá de la labor de encontrar una buena fotografía original, interesante, con licencia Creative Commons para obras derivadas y con suficiente tamaño como para realizar el trabajo adecuadamente. En este caso la foto original es ésta:

CC-BY-SA Fondo Foto Car. Ricardo Martín, 1920.

Luego hay que "rejuvenecerla" un poquito para que el paso de los años no sea tan evidente, aunque  esto lo hice durante el montaje, porque la exposición de ambas fotos ha de ser consistente.

Foto recuperada

La toma propia:

Suelo imprimir el original en casa a tamaño folio para poder llevarlo conmigo y así buscar mejor un encuadre similar en el lugar donde fue hecha la original, tampoco hay que ser muy exactos porque el Photoshop permite bastante margen de adaptación.

Lo importante es como siempre "la idea", todo es sencillo si tienes claro exactamente lo que buscas, en este caso conoces la escena y la posición de los personajes, sólo falta añadir el "moderno" tren, así que se trata de consultar horarios, esperar a que llegue al andén deseado y estar preparado, en mi caso la hice a pulso, sin trípode ni complicaciones, aquí va:

Encuadre moderno
24mm  -  ISO400, f/8.0, 1/50s

Por supuesto me gusta mucho más la del tal Ricardo de 1920, claro... los nuevos tornos y esa plataforma naranja no ayudan demasiado. Como ves no es exactamente la misma perspectiva, pero tampoco importa, sólo me fijé en incluir el trocito de pared de la izquierda que coincide con los "Toilettes" de la original y más o menos disparar a la estatura de una persona normal.

La luz no es tampoco idéntica, pero también eso importa poco... el caso es que veas posible su adecuación en el procesado. Por otro lado veo que los pocos colores que contiene probablemente la dejarán elegante, apenas grises y rojos...

Parámetros de cámara:

Elegí un diafragma f/8, que es de buena calidad para la lente elegida y en 24mm tienes una amplia profundidad de campo. Con un ISO400 obtuve los 1/50s que consideré mínimos para no trepidar la imagen disparando a pulso. Se suele decir no usar nunca menos de 1/focal es decir en mi caso al menos 1/24s, pero yo sinceramente a esa velocidad no soy muy capaz y tampoco soy demasiado amigo de este tipo de reglas que tan sólo son aproximativas...

El montaje de ambas fotos:

Otra vez mi "super-avanzada" técnica de montaje... una foto sobre la otra y pintar la máscara con la tableta, más simple no puede ser... únicamente un poco de paciencia y algo de maña o práctica. Aquí va la máscara que pinté.

Máscara

Y éste el resultado de las dos fotos superpuestas y sin procesar la antigua:

Montaje

Luego se trata de casarlas lumínica y cromáticamente, para lo cual ya en Photoshop hice:

-En la antigua unas capas de exposición, niveles y B/N

-En la nueva una capa de exposición y otra de B/N a baja opacidad enmascarada donde me interesaba.

Mientras las igualas ya verás como salseando enseguida logras adecuarlas bastante bien.

Igualar lumínica y cromáticamente

Ya con el montaje terminado genero una nueva capa que combine todas las capas (OJO! no acoplo porque luego no hay posible vuelta atrás, todos mis procesados procuro sean no destructivos) y la trato como cualquier otra foto. En este caso ajusté luces y sombras pintando con blanco y negro en una capa de gris medio en modo de fusión superponer, apliqué un filtro de balance cruzado a luz de tungsteno, porque la quería más cálida (este tipo de acciones además compactan cromáticamente), hice un viñeteado y la mezclé con una textura en los bordes:

Procesado del montaje ya acoplado

Y así es como se hizo este mes de Septiembre:

Os dejo también la preciosa portada, es una fotografía conjunta de Natxo Castellanos y Antxón López Garín (dos socios de la SFG) que luego muy artísticamente ha pintado a mano Antxón:

Portada Calendario 2013, San Sebastián
Por Antxon López Garín y Natxo Castellanos

El mismo día que hice la de la estación tomé otras cuatro escenas que aún sólo están pre-montadas, es decir selecciono las fotos posibles de entre las que hice y realizo una prueba de montaje rápida con la/s que más me parece pueden cuadrar.

Eso ha sido todo por hoy, ojalá te haya gustado y pronto te veo de nuevo.

Un saludo y gracias por seguir aquí!

Aprende compartiendo: Mi piel

Hola,

hoy destriparemos otro simpático fotomontaje de una escena con aires de glamour y cuyo mensaje ambiguo puede interpretarse de múltiples maneras ¿un reclamo ecologista? ¿una defensa de las firmas de moda? ¿la lucha entre ambas? depende de cual de los dos personajes en la foto sea el artífice de su título "Mi piel", ahí lo dejo a tu elección...

"Mi piel"
click en la imagen para ampliar

El proceso creativo inverso, "un rumbo por inciertos caminos"

Normalmente este tipo de escenas suelo crearlas bajo un idea preconcebida que desarrollo de forma minuciosa, con notas bocetos, etc... y eventualmente hago las fotos que necesite. Pero a veces también lo hago al revés, como en este caso por ejemplo, simplemente navego por mis fotos  y trato de construir "algo" que va surgiendo espontáneamente, si bien es cierto puede existir un rumbo, el resultado final dependerá en gran medida de lo que encuentres por el camino, en el que nuevas  ideas irán subiendo a nuestro carro... sólo se trata de marear un poco tu imaginación pues naturalmente por el camino desechamos cosas y cambiamos con frecuencia de ideas, pero es una práctica divertida, anímate a probar!

La imagen de hoy por ejemplo era para un certamen sin ánimo de lucro que organiza en facebook adStudio, del que ya te he hablado alguna vez por aquí. En este contexto de 9 meses de concurso con una temática mensual presenté ésta bajo el tema "glamour", mi rumbo, ahora a indagar los caminos...

Primero busqué la foto de la modelo (cuyo nombre omito a su solicitud), recordaba esta sesión y me pareció podía encajar:

52mm  -  ISO100, f/5.6, 1/125s

Ahora le hacía falta un suelo y tras unas vueltas por algunos paisajes me encontré estos prados que saqué cerca de Yesa. Como era un contraluz intenso recuerdo hice varias tomas más o menos expuestas y elegí ésta algo subexpuesta:

24mm  -  ISO200, f/11, 1/320s

Pero la historia se quedaba un poco coja... ¿qué pintaba esa chica en un taburete en medio de la nada, aferrada a su precioso abrigo? aquí vino lo más difícil porque se trataba de dar sentido a la escena, así que la miré a sus felinos ojos y bajo la inspiración de esos magníficos anuncios de Cartier se me ocurrió incorporar una fiera y redondear la historia con un sugerente título.

Luego mirando el tipo de iluminación del conjunto, decidí viajar por mis escasas salidas nocturnas y recordé una noche en la cercana playa de Hendaya que le iba perfecta, además contribuía a dar mucho fondo a la escena así que la incorporé.

24mm  -  ISO400, f/2.8, 30s
"click en la foto para ampliar"

Una pinceladas sobre el procesado:

Lo cierto es que no hay muchos secretos aquí, mi "tecnología" es bastante rústica, sólo poner unas fotos encima de otras, ajustarlas en color y transformar su tamaño si es necesario y hacer máscaras que normalmente pinto a mano alzada con mi tableta gráfica. Aquí va:

Lo primero revelé la foto de la modelo y la apañé un poco, ya sabes la típica limpieza de pieles, pequeñas correcciones en formas, tonos, brillo, contraste, etc...

Foto principal y ampliar lienzo

Ampliar el lienzo y si luego te hace falta más espacio tampoco hay problema en volverlo a ampliar.

Desaturar rojos fuera de la modelo

Como esa luz hecha originalmente en estudio con un snoot y un gel rojo no la necesitaba, hice una capa de tono/saturación y desaturé los rojos sólo fuera de la modelo mediante una máscara de capa.

Fondo negro

Parecerá una tontería por lo rudimentario pero funciona, aquí sólo puse una capa de relleno negro en modo de fusión "subexposición lineal" y nuevamente con una máscara dejé el fondo negro. El paso anterior tiene sentido porque siempre entre el pelo pueden quedar rojos, así que mejor haberlos desaturado porque el gris no canta.

Añadir suelo de hierba

Aquí en el césped hay bastante trabajo porque yo soy demasiado perfeccionista y si te fijas en gente que haga montajes verás que muchos evitan a menudo los pies porque es tedioso enmascarar y que quede bien, hay que dedicar tiempo al pintar la máscara.

Añadir León

De igual forma añadí el león transformé el tamaño según la perspectiva y enmascaré pintando con la tableta. Recuerda ser consistente con las iluminaciones de las fotos que elijas para tu montaje, en cuanto a su dirección, dureza, intensidad y temperatura. Si lo crees necesario lo puedes ajustar.

Sombra modelo

Un detalle que faltaba: la sombra de la modelo. Puedes añadir una capa de negro en modo de fusión "luz suave" y pintar en la máscara la forma de la modelo. Para hacer la máscara también suele ser buena técnica rodear la forma de la la modelo con el lazo (no hay que ser nada exacto porque es para la sombra), crear la capa de negro, luego desvanecer la máscara (para que la transición sea más suave) y finalmente transformarla en su perspectiva, así es como yo la hice.

Playa

Para la playa igual que con las otras, poner la foto, adecuarla en tamaño y enmascarar pintando.

Adecuar cromatismo al gusto

Ahora tratar la foto como cualquier otra. En mi caso respecto al cromatismo la saturé un poco y pasé varios filtros, para enrojecer un poco los verdes de la hierba y el león, para viñetear, contrastar y hacer los blancos puros.

Luces, sombras y últimos remates de color

Normalmente termino de pulir las fotos tratando las luces y sombras en una capa de gris medio en modo "superponer" y pintando con negro para sombras y blanco para luces a diversas opacidades. Luego doy un último empujón al brillo y contraste y a veces mediante una capa de equilibrio de color corrijo algunos tonos al gusto.

Pues así es como la hice, aunque lo importante es que lo pruebes tú y seguro que con un poco de empeño consigues cosas muy aparentes.


Algunos recortes

La verdad es que ésta foto al ser montaje de varias y haber recortado muy poco tan sólo para reencuadrarla me ha quedado en 6706 x 6706 pixels, es decir 45 megapixels!!! por que te hagas una idea el archivo de Photoshop pesa 4,16 GB, así que es una delicia verla de cerca. Para que veas el mimo con que la traté te cuelgo algunos recortes, alguna vez he oído que para apreciar las obras has de verlas en grande.

Recorte pie y taburete

Fíjate en las hierbas sobre las barras del taburete y compara este recorte con el tamaño de la foto entera.

Recorte manga abrigo

Los pelitos del abrigo no son problema, basta ir pintando la máscara con un pincel de menor opacidad.

Recorte modelo y león

De este recorte lo que me gusta es que a pesar de la oscuridad es posible apreciar el horizonte y las olas.


Bueno pues eso es todo por hoy, ojalá te haya gustado y nos vemos pronto de nuevo.
Un saludo!

Aprende compartiendo: Nunca llueve a gusto de todos

Hola,

hoy mezclaremos un poco de técnica y algo del proceso artístico, para ello usaré esta foto que se titula: "Tree" o lo que es lo mismo árbol en inglés.

"Tree"
24mm  -  ISO400, f/8.0, 1/1000s  (pulsa imagen para ampliar)

Este mes el tema del social de la SFG era lluvia, y como te dije en Marzo no hizo más que sol, así que hubo que apañárselas para obtener algo contundente, a base de una pequeña producción como el anterior post o en este caso vía photoshop. Por cierto he quedado 1º clasificado también este mes :-)


La exposición y el revelado:

El otro día casualidad fui al monte con mis hijos, y la verdad todas las fotos que hice fueron familiares excepto dos, una de las cuales era éste precioso árbol bajo una luz a mi juicio bastante especial, aquí va la original:

RAW sin tocar

Como ves se trataba de una escena de muy alto rango dinámico, un gran contraluz con unos negros muy profundos y unas luces altísimas con el sol entre las nubes. Mucha gente hubiera pensado en hacer 3 o 5 fotos para montar un HDR (es decir -2, -1, 0 ,+1 y +2EV) y luego con algún programita utilizar todas las fotos para montar una correctamente expuesta. Sin embargo antes de complicarse la vida es bueno ver si eso es necesario o no, mira el histograma del RAW:

Histograma del RAW

Como ves son dos estupendas montañas una en cada extremo, a la izquierda se amontonan las sombras y a la derecha las luces, lo típico de una escena de alto contraste (también llamada de gran latitud o de amplio rango dinámico) sin embargo centrando muy bien la exposición, con mi cámara fue posible obtener todos los valores, no quemar las luces ni perder excesiva información en los negros.

NOTA IMPORTANTE: es fundamental que comprendas que la representación del histograma en tu cámara es a 8-bit, por lo que si estás capturando en RAW (a 16-bit) aunque aparentemente ese histograma presente blancos quemados realmente no lo están, son perfectamente recuperables en el revelado y por tanto es posible extender ese histograma sin quemar ni un sólo ápice de la foto, mira el resultado tras el revelado:

REVELADO

Histograma tras Revelado en Camera Raw

Como ves lo fundamental es obtener una exposición perfecta, es decir capturar todos los valores posibles, y luego al revelar ya los recolocaremos, en este caso no se podía haber hecho mejor.

Como ves el histograma ahora pinta mucho mejor, he querido conservar esos negros sin detalle para dar un aspecto de tristeza pero no deseo ninguna luz quemada. Por otro lado he variado temperatura y matiz al gusto para dar esas tonalidades verdosas.

El procesado:

Una vez revelada en Camera Raw pasamos a Photoshop para crear nuestra imagen de lluvia, no me extenderé y simplemente te cuelgo algunas fotos y comentarios:

Añado lluvia mediante el filtro de ruido

Hay mil tutoriales por la web para añadir lluvia, yo me leí éste. Como el resultado no era muy creible porque toda la lluvia era muy paralela lo volví a aplicar en otra dirección, mira:

Repito el filtro lluvia en otra dirección

Sin embargo no era el resultado deseado, porque seguía siendo demasiado matemático, así que decidí superponer algunas imágenes de agua que disponía y el resultado fue este:

Fotomontaje adicional y por fin se parece algo a la lluvia

Ahora que tenemos lo deseado se trata de acentuar las luces y sombras teniendo mucho cuidado de no quemar los blancos, lo puedes hacer con curvas, brillo/contraste, o mediante una capa de gris medio en modo superponer y pintar con un pincel negro o blanco a diferentes opacidades, o lo que quieras...

Lo importante es que mediante el método que elijas el aspecto sea evocador, un dramático momento de lluvia triste y oscuro, así que aquí mi solución en cuanto las luces:

Trabajar las lucres y sombras

Pero la imagen sigue siendo demasiado verde, demasiado simple, demasiado monótona y los colores pueden ayudarnos a expresar más, por tanto la decisión está clara, tratar las gamas cromáticas como te parezca, tono/saturación, equilibrio de color, pintar colores con brocha sobre una nueva capa en modo de fusión luz suave, aplicar filtros (ojo! sin fastidiar la foto)... lo que quieras con tal de quedar artísticamente satisfecho. Aquí mi opción:

Trabajar los cromatismos

Como ves añadir cianes en las luces, rojos en las sombras, verdes en los medios tonos, desaturar un poco, contrastar y dar algo de brillo dejan la imagen terminada. Aquí va el histograma final:

Histograma Final

En resumen:

Las obras fotográficas o el arte fotográfico no sólo consiste en sacar una foto, ahí tan sólo comienza el  camino y conste hay que dominar la técnica para ponerla al servicio de tu obra, pero el procesado de la imagen, sea únicamente el revelado o incluya o no una edición, retoque o procesado, es la base de tu impronta artística.

He oído alguna vez que el raw es la partitura y la edición es la interpretación. Si la partitura es magnífica pero la interpretación un desastre la música será una calamidad, o si el intérprete es magnífico pero la obra es un bodrio tampoco habrá deleite, así que esa es mi recomendación para el que pretenda hacer música, yo lo seguiré intentando aunque... no siempre "llueve" a gusto de todos y queda mucho por aprender.

Una cosa más, he dicho "dominar la técnica" es decir buscar la exposición idónea para el fin que buscas (ojo que no digo ni siquiera correcta porque a lo mejor te interesen las sombras profundas o las luces quemadas), o un enfoque adecuado (porque un desenfoque puede cambiar el discurso y ser perfectamente válido para lo que pretendes) o esmerarse en la edición lo cual hay mucha gente que por ignorancia o desconocimiento lo llama "hacer trampa" o "engañar", pero ojo hablamos de fine-art, no de fotoperiodismo, ni documental... a estos los animo a dejar sus envidias y prejuicios de lado, a leer y practicar un poco, o buscarse un profe que los inicie y a dejar que el pájaro vuele porque en el arte no tiene sentido cortarle las alas. El photoshop nació con las primeras imágenes, todas ellas una distorsión de la realidad ya por definición al privarles de una dimensión y pasarlas al plano por ejemplo, o hasta el mismísimo Ansel Adams trataba la imagen por zonas, o Stalin mandaba borrar de determinadas imágenes a los "enemigos del pueblo" que iba ejecutando mira por ejemplo este enlace, en fin me aburriría de citas...

Bueno que me estoy liando... espero hayas disfrutado y un saludo hasta la próxima!

2011-S42 Cada semana una foto: 60% water

Muy buenas!

aquí te traigo la foto que hice en la semana 42, es cierto va con retraso porque esperaba el fallo del concurso social de la SFG este mes de Noviembre, en que la presenté bajo el tema "Agua". Aunque aún ante mis ojos contenga fallos o evidentemente dependa de criterios estéticos subjetivos, para mi es probablemente uno de los trabajos más elaborados desde su concepción al resultado final, lo cual la convierten en una de mis preferidas, ojalá la espera haya merecido la pena, a ver qué te parece:

"60% water"
17mm  -  ISO200, f/8.0, 1/100s

Supongo esto merece una pequeña explicación así que nuevamente aunque no estemos en "aprende compartiendo" te contaré el making-off, ahí voy espero te guste:

La idea:

Ya te he comentado otras veces, en éste tipo de trabajos que no responden a la instantánea fortuíta, creo es "fundamental" saber lo que buscas y cuanto más elaborada esté tu idea, mejor será el resultado, pero no olvides dejar hueco a la improvisación tanto en la toma como en el procesado. En mi caso suelo emplear un par de semanas desde que se me ocurre hasta que la tengo pulida, llegando como en éste caso hasta a dibujar la escena, incluyendo el lugar, la posición de la modelo o mediante notas la luz que deseo, otra cosa es que luego lo consiga o no, claro...

Mi concepto inicial era una mujer duchándose y cuyo cuerpo se deshacía en agua desde la cintura, porque el cuerpo humano en edad adulta es un "60% water". La pose debía ser algo pictórica (emulando un poco con todos mis respetos a la pintura renacentista) y a pesar de que hicimos algunas otras poses, me centré en la que había imaginado: mirada a la derecha y pelo en la espalda, antebrazo derecho en su cintura y mano izquierda sobre su hombro derecho.

La producción:

Localización:

Esto creo fue lo más complicado. Me llevó un tiempo buscando y preguntando a todo bicho viviente cómo era su ducha, ante sus sorprendidas miradas, pero tenía que ser exactamente como la de la foto: 3 paredes, baldosas blancas, plato de ducha, sin mamparas ni cortinas, cebolleta de corte antiguo, nada de modernidades y a ser posible un poco vieja o lúgubre.

Modelo:

Aunque quizás en orígen había pensado en alguien de aspecto más frágil, opté por Sandra Pino que aún teniendo una complexión más fuerte, por su condición deportiva tiene unas líneas muy simétricas. He trabajado otras veces con ella y es un placer porque su carácter siempre es muy positivo y colaborador ¡Gracias Sandra!

Equipos y atrezzo:

Usé mi Canon 5DMII que es Full Frame, y pedí prestado un EF 17-40mm f/4.0 L USM a mi amiga Marisol Yaben, a la cual se lo agradezco desde aquí. Quería meterme dentro de la escena y mis 24mm no lo permitían, fue la lente más angular que conseguí aunque quizás hubiera preferido llegar hasta 14mm. Monté la cámara en trípode y usé el control remoto para dispararla.

Respecto al atrezzo, a pesar de que sólo llevé mi albornoz para la modelo, sí que portaba muchos trastos, cubos de diversos tamaños y formas para hacer chorros de agua, redondos, cuadrados, grandes, pequeños... una mopa para hacer cortinas de gotas que no llegué a usar, fregona y toallas porque aquello acabó fino, etc...

Lighting set-up:

He mentido en el primer punto porque ésto me llevó bastante tiempo... con poco más de 1m de ancho y un marco de puerta de apenas 80cm resulta complicado poner las luces. Estaba claro que la luz había que rebotarla porque era un fastidio no poder usar contras o luces laterales para contrastar todo ese agua para separarla de la pared, así que probé de todo. El flash desnudo en cámara aparte de dar una luz muy dura, ocupaba el suficiente espacio como para no permitirnos entrar o salir de la ducha. Sacar la cámara fuera me hacía perder mi inmersión en la escena, así que eventualmente separé el flash de la cámara, y lo puse fuera disparándolo con mis triggers "chinorris" Yongnuo PT04-TM, pero tuve que luchar un rato con no provocar sombras con el marco de la puerta. Luego al tamizar la luz con un paraguas se volvía complejo orientar la luz a la esquina superior izquierda o el propio paraguas tapaba la cámara lo que no me permitía ver los resultados, pero al final lo logré...

Modelo y Lighting set-up

Parámetros de Cámara:

Necesitaba congelar agua en movimiento, pero con el flash fuera de cámara estás limitado por la velocidad de sincronismo de tu cámara, ya que no puedes usar la función de "alta sincronización" (salvo tengas unos Poket Wizard y además con sus limitaciones) pero en mi caso 1/160s resultaba un poco escaso, pues el agua a presión puede ir bastante rápido así que decidí usar la velocidad de destello, es decir, pones unos parámetros en cámara de manera que si no disparas el flash la toma sea absolutamente negra. Esto tiene dos ventajas:

-Una es que la imagen se expone sólo durante el destello,no durante toda la obturación, lo cual no sé la cifra exacta pero puede significar 1/600s a media potencia en un Canon 580EXII por ejemplo, me da igual, el caso es que seguro es más rápido que mi 1/160s de sincronismo.

-Otra es que en consecuencia a todos los efectos es como si la habitación estuviera a oscuras, por lo que toda la luz en la imagen provendrá de tu flash y por tanto será "consistente" en todas las tomas (entre comillas porque si los disparos son muy seguidos o desde que las pilas son nuevas hasta estar a punto de agotarse me he encontrado diferencias de hasta 1 diafragma!!! por mucho que canten los fabricantes). OJO!!! esto que parece una bobada es crucial a la hora de hacer montajes de este tipo.

El ISO cuanto más bajo mejor, yo suelo usar el ISO200 nativo de mi cámara. El diafragma tenía claro f/8 porque en el 17-40 da una calidad muy buena y en 17mm ya permite todo el cuadro enfocado.

Con ISO200, f/8.0 y 1/100s sin flash la escena ya era negra, y luego ajusté las luces para obtener un histograma como el que te presento:

Histograma del RAW

Parámetros de Flash:

Suelo ser monofoco y en éste caso así fue, un único punto de luz con flash a media potencia y un zoom de 50mm, lo suficiente como para lograr la mancha de luz buscada en la foto sin llegar a crear sombras con el marco de la puerta, esto fue cuestión de probar. Tenía claro que tal y como había imaginado para hacer la iluminación interesante y un poco lúgubre debía lograr suficiente diferencia de luz entre la parte superior e inferior de la escena. También que la luz debía venir lateralmente desde arriba a la izquierda para tener sombras atractivas en la modelo.

Acción!!!

Ésta fue la parte más divertida, con todo listo se trata de conseguir tu modelo te ofrezca lo que buscas, continuamente encima de cada gesto, quería ver los dedos de la mano sobre el hombro, un poco cabizbaja, te muevo ese pelo que no ha quedado del todo bien, arquea la espalda, saca un poco más ese codo... ya sabes... Luego probé tomas con vaho, si tapas el desagüe y llenas de agua fría, luego al caer la caliente enseguida empaña la lente, luego anécdotas como que tuvimos que repetir todo porque al limpiar la lente se movió la focal (no conocía la holgura que por uso tenía el objetivo prestado y sorpresa!).

Eventualmente hice las tomas de agua sóla para poderlas montar posteriormente, con y sin vaho por si acaso... hay que tener cuidado desde dónde lanzas el agua y las posibles sombras inadecuadas.

Toma de agua

Toma de agua

Al final después de todo este tinglado me entraron ganas de ducharme yo también, porque ya que todo estaba preparado seguro iba a conseguir algunas tomas interesantes para éste y/o futuros montajes así que le cedí el control remoto a la modelo y ejercí 5 minutos de modelo, bastante movidito por cierto ;-) esto como dije fue parte del hueco que cedí a la improvisación.

Procesado:

Aquí todo sea dicho es donde se ha ido la mayor parte del tiempo, así que resumiré... primero seleccionar con cuidado las imágenes que te gusten, luego ir montándolas poco a poco, en mi caso empecé con la modelo, hice el revelado en Camera Raw y luego fui añadiendo chorros de agua, cada uno lo sincronicé con el revelado de la primera y luego lo añadí como capa en photoshop, procediendo a enmascarar teniendo en cuenta las sombras y luego ajustando fino las exposiciones (normalmente con una capa de curvas o exposición y a veces con niveles para lograr contrastes locales) porque en cuanto a balance de color no suele haber problemas. En algunos casos hizo falta usar la herramienta "licuar" o transformar para hacer coincidir el chorro con la figura o no estorbar otras partes. También hubo que pintar algo con colores mediante la brocha (recomiendo hacerlo en una capa nueva nunca en la imagen original).

Una vez todo está montado apliqué tratamientos habituales para cualquier foto, por ejemplo trabajar las luces y sombras en una capa de gris medio pintándolas con la brocha en negro (sombras) y blanco (luces) a diferentes opacidades y tamaños de pincel, curvas, equilibrio de color o incluso hice un HDR que mezclé con la toma original y como éstos procesos suelen crear cambios en las luces y sombras, porque efectivamente contribuyen a dar contraste local que es lo que le gusta a la gente y además levantan las zonas sombrías, siempre es necesario reajustar un poco localmente quizás con otra capa de gris medio o unas curvas con una máscara, etc... al final suelo tocar un poco el brillo/contraste para dejarlo en su punto siempre "un pelín" bajo porque el filtro de enfoque (que funciona por contraste) lo dejará en su sitio.

Suelo guardar un TIFF acoplado y sin enfocar, o en casos como éste de más trabajo me quedo con el PSD. Luego en función de la salida que le vaya a dar aplico algún método de enfoque adecuado, como sabes no es lo mismo un 10x15 que un 60x90 o tampoco una copia impresa que una imagen web de uno u otro tamaño. Tengo 3 o 4 métodos diferentes dependiendo de esto.

Reconocimientos:

Por último decirte que la foto ha quedado primera clasificada en el cincurso social este mes obteniendo además la máxima puntuación en el trofeo a la creatividad y algunos puntos en el trofeo a la luz y el trofeo al interés social.

En la exposición del concurso social de la SFG  (Nov.2011)

Algo que me alegra muchísimo es que la foto pertenece a ese estricto 5% de obras que supera la dura criba en una de las más valoradas galerías on-line que es www.1x.com y en tan sólo 3 días me ha sorprendido alcanzado las 17.000 visitas únicas por lo que sólo puedo decir que...  estoy feliz por ello!    :D

Puedes verla AQUI

...y por fin la despedida  :)

Esperando te hayas entretenido un rato, o quizás hayas encontrado algo útil entre mis líneas ahora te dejo con alguna foto más del making-off:

Intercambio de papeles con los cubos de agua

Limpiando la óptica en medio de la acción
puedes ver parte de mi colección de cubos ;-)

Un saludo y hasta pronto!!!

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19/03/2012 Actualizado:   Obra premiada en concurso Internacional:

MENCIÓN HONORÍFICA FIAP -
XXVI Trofeo Torretes de Fotografía  (Festimatge 2012)


- Ver aquí premio, catálogo y crónica

- Ver aquí acerca de Torretes

11/06/2012 Actualizado:    Obra premiada en concurso Internacional:
OBRA SELECCIONADA EN PHOTO FOCUS 2012

Aprende compartiendo: Lost

Hola de nuevo,

¿cansado de las limitaciones de viñeteado en Camera Raw? pues ya hace un tiempo que observo fotos con efectos curiosos de viñeteo que me encantan, así que hoy he intentado emularlos y trasteando te cuento lo que he hecho. Para ello usaré una foto que le hice a mi hijo hace cosa de un mes en un precioso pueblecito cerca de donde vivo, llamado Fuenterrabía. La he titulado "Lost", que en inglés quiere decir "Perdido", probablemente no es una foto de museo pero por su luz me pareció interesante para lo que nos ocupa, a ver si te gusta:

"Lost"
42mm  -  ISO200, f/3.2, 1/50s,  comp. exp. +1

Exposición:  La toma la hice con prioridad a la apertura, elegí mi ISO200 y un f/3.2 que a 42mm lograban un agradable desenfoque del fondo y mi cámara eligió 1/50s de obturación. Como se trataba de una situación de bajo contraste (latitud o rango dinámico) puesto que las luces eran suaves en todo el fotograma, "derecheé" el histograma, o lo que es lo mismo ajusté en cámara la compensación de la exposición hasta un paso +1EV. En fotografía digital la información es mejor en las luces por eso tirando en Raw es bueno sobreexponer (sin quemar) para disponer de ella en el revelado, no te preocupes que ésto a mi me ha costado cierto tiempo entenderlo también, otro día lo hablaremos más en detalle :) ----> lo prometido es deuda aquí lo explico.

Bueno pues ¡vamos al tajo! la toma original ya revelada en Camera Raw es ésta:

Toma original

Y su histograma como ves no tiene blancos quemados y quedó así:

Histograma

Bueno y ahora ¿cómo llegamos hasta el resultado final? hombre no sé, pero a botepronto lo primero que se me ocurre es pintar de negro, venga pues vamos a hacerlo.

Lo primero he jugado un poco con los colores usando una capa de equilibrio de color y otra de tono y saturación, pero eso... para gustos los colores, a mi me apetecieron verdes y cianes. Ahora seleccionamos la zona que queramos oscurecer pintando a mano alzada con el lazo:

Selección con Lazo de zona a oscurecer  (pincha foto para ampliar)

Después en el menu Capa, elegimos capa de relleno de color uniforme y color negro:

Capa de relleno negro  (pincha foto para ampliar)

Pero eso no queda nada bien, así que teniendo la máscara seleccionada me voy a la pestaña máscaras y desplazo el dial Desvanecer hasta el lado contrario, asímismo bajamos la opacidad de la capa un poco, en mi caso hasta el 72%, mira así:

Desvanecer  (pincha foto para ampliar)

Ya tiene mejor aspecto, pero no me gusta del todo, vamos a probar unas curvitas a ver qué pasa:

Curvas subexponer  (pincha foto para ampliar)

Ahora unos pequeños toquecillos de luz, lo que haremos es simplemente pintar la máscara blanca con un pincel a media opacidad en aquellos sitios donde no queramos que se subexponga tanto, de ésta forma allá donde pintemos lo veremos más luminoso, mira la brocha gorda que le he pegado...  :S

Pintar máscara de la capa de curvas  (pincha foto para ampliar)

Y por último unos reajustes de brillo/contraste a tu gusto:

Capa Brillo/Contraste  (pincha foto para ampliar)

Pues ya está, ahora solo aplicar un enfoque y guardar ¿a que no ha sido nada complicado? a veces nos liamos pensando que las cosas son muy sofisticadas y resultan ser más simples de lo que parecen. Bueno pues espero te sea de provecho y ahora sólo toca ver dónde encaja ésto en tus fotos para probar. Suerte y hasta pronto, que se acerca la foto de la semana :D